View Revista Final Starwave flipbook.
1 | STARWAVE ARTISTAS ICÓNICOS MEJORES ARTISTAS DEL AÑO TOP 10 MEJORES CANCIONES ENTREVISTA DETRÁS DE LA CANCIÓN RANKING MEJORES VIDEOCLIPS ARTISTAS ICÓNICOS MEJORES ARTISTAS DEL AÑO TOP 10 MEJORES CANCIONES DETRÁS DE LA CANCIÓN RANKING MEJORES VIDEOCLIPS WWW.STARWAVEDICIEMBRE VOL. I N°
2 | STARWAVE 3 | STARWAVE n STARWAVE creemos en la música que marca etapas, acompaña vibes y une mundos. Cada año llegan nuevas voces que sorprenden, melodías que se vuelven parte de nuestro día a día y artistas que reinventan su estilo para seguir marcando el ritmo del momento. Aquí celebramos esa energía que nunca para, esa mezcla entre lo que ya amamos y lo que recién empieza a brillar. Nos mueve la curiosidad por entender cómo nace una canción, qué historias laten detrás de sus acordes y cómo cada artista convierte su experiencia en algo que conecta con miles de personas. Nos gusta mirar más allá del escenario: la inspiración, la vulnerabilidad, los silencios que también hablan y los procesos que convierten ideas sueltas en himnos. STARWAVE también abraza la memoria musical. Valoramos a esos artistas que dejaron huella, que rompieron barreras y que hoy siguen inspirando a nuevas generaciones. Sus legados no son solo historia: son el punto de partida para que nuevas propuestas encuentren su voz y se atrevan a experimentar. Y así, entre sonidos que ya son parte del ayer, ritmos que dominan el ahora y talentos que recién empiezan a tomar fuerza, construimos un espacio donde la música no solo se escucha —se vive, se siente y se comparte. Dirección General Frank Julca Subdirectora Lucero Zuñiga Director de Arte Micaela Sauñe Redacción y contenido: Danithza Alayo Diseño y diagramación: Frank Julca Corrección de estilo: Micaela Sauñe Maquetación Frank Julca Lucero Zuñiga Fotografía y archivo visual Imágenes con fines educativos y culturales Archivo personal de bandas y medios Producción General Equipo STARWAVE Contacto y redes starwave@gmail.com @starwave www.starwave.com.pe Edición N.º 01 – Noviembre 2025 Periodo de publicación: Mensual Publicación independiente Derechos y notas legales Publicación sin fines de lucro Todos los artículos son responsabilidad exclusiva de sus autores Reproducción del contenido solo para fines educativos.
4 | STARWAVE 5 | STARWAVE ARTISTAS ICÓNICOS MEJORES ARTISTAS artistas que influenciaron en la música Cronograma de conciertos 6 10 14 22 24 26 entrevista MEJORES ARTISTAS DEL AÑO
Linkin ParkLinkin Park El Inicio y el Nu Metal Linkin Park se formó en Agoura Hills, California, en 1996, inicial- mente bajo el nombre de Xero. No fue hasta el año 2000, con la incorporación del vocalista Ches- ter Bennington y el lanzamien- to de su álbum debut, Hybrid Theory, que la banda alcanzó el estrellato mundial. Su sonido inicial se caracterizó por ser una de las propuestas más influyentes del nu metal y el rap rock, com- binando la voz melódica y los gritos de Bennington con el rap y los elementos electrónicos del co-vocalista Mike Shinoda. Evolución y el Impacto de una Pérdida A lo largo de su carrera, Linkin Park demostró una notable evolución musical, explorando géneros que iban más allá del nu metal, como el rock alternativo, la electrónica y el pop, en álbumes como Minutes to Midnight y A Thousand Suns. Sin embargo, la trayectoria de El debut explosivo de la banda llegó en el año 2000 con el álbum Hybrid Theory, que se convirtió en un fenómeno mundial. Este disco, junto con su sucesor, Meteora (2003), consolidó a Linkin Park como una de las bandas más grandes de su generación. Su música abarcó éxitos que se convirtieron en himnos para millones de jóvenes. La canción más famosa y reconocida mundialmente de la banda es, sin duda, “In The End”, aunque otras como “Numb”, “Crawling” y “Somewhere I Belong” son igualmente esenciales en su catálogo y han definido el sonido de la década de los 2000. la banda se vio trágicamente marcada por el fallecimiento de Chester Bennington en 2017, lo que supuso una pausa indefinida. Su legado se mantuvo vivo con ventas de más de 70 millones de álbumes y dos premios Grammy, consolidándolos como una de las bandas de rock más importantes del siglo XXI. El Regreso y la Nueva Era Recientemente, Linkin Park anunció su regreso a los escenarios y a la actividad musical. En 2024, la banda presentó a Emily Armstrong como su nueva vocalista y a Colin Brittain como baterista, revelando el sencillo “The Emptiness Machine” y el álbum From Zero. Este nuevo comienzo, cuyo título evoca su nombre original (Xero), representa una nueva era para Linkin Park, manteniendo a Mike Shinoda, Brad Delson, Joe Hahn y Dave Farrell, y demostrando que su música y mensaje continúan CancionesCanciones Famosas yFamosas y Álbumes ClaveÁlbumes Clave 6 | STARWAVE 7 | STARWAVE
9 | STARWAVE8 | STARWAVE Rock Cristiano HISTORIA DE LA BANDA SKILLET Skillet se formó en Memphis, Tennessee, en 1996, por el vocalista y bajista John Cooper (el único miembro constante) y el guitarrista Ken Steorts. El nombre de la banda, que significa "sartén", fue elegido para simbolizar una mezcla de diferentes estilos musicales que se fusionarían. Rápidamente obtuvieron el interés de la discográfica ForeFront Records y lanzaron su álbum debut homónimo ese mismo año. Un punto de inflexión en la formación fue la incorporación de Korey Cooper, la esposa de John, en 1999, como guitarrista y teclista, solidificando la pareja central de la banda. Más tarde, la baterista Jen Ledger se uniría en 2008, estableciendo el cuarteto actual que ha llevado a Skillet a su éxito masivo. El Mensaje y la Producción Musical Aunque Skillet es clasificada como una banda de rock y metal cristiano, su mensaje busca ser universal, abarcando temas de esperanza, lucha, fe y superación personal. Su música, impulsada por un potente rock alternativo y hard rock con elementos sinfónicos y electrónicos, produce himnos de motivación que confrontan la oscuridad, la duda y el miedo. Canciones icónicas como "Monster" o "Hero" están llenas de metáforas sobre encontrar la fuerza interior y, para muchos oyentes, una relación con la fe, permitiendo que su mensaje resuene tanto en audiencias religiosas como seculares a nivel global. La banda tiene doce álbumes de estudio, pero su ascenso al estrellato vino con sus lanzamientos más populares y comercialmente exitosos. Los álbumes más queridos y definitorios de su sonido son Comatose (2006) y Awake (2009). Comatose les valió su primera nominación al Grammy y estableció su distintivo sonido orquestal y dramático. Awake, por su parte, se convirtió en Comatose (2006) 1Whispers in the Dark 2Comatose Awake (2009) 1Monster 2Hero 3Awake and Alive Unleashed (2016) 1Feel Invincible 2The Resistance Unleashed Músicas Queridas Álbumes Clave doble platino e incluyó éxitos masivos. Cómo Les Va Actualmente Skillet sigue siendo una fuerza dominante en la escena del rock. Su formación actual con John y Korey Cooper, Jen Ledger y Seth Morrison se mantiene estable. A lo largo de la última década, han continuado lanzando música, incluyendo álbumes recientes como Victorious (2019), Dominion (2022), y el más reciente, Revolution (2024). La banda sigue realizando giras extensas a nivel mundial, manteniendo una fuerte conexión con su base de fans conocida como "Panheads". La longevidad y la consistencia de
Michael Jackson EL ETERNO REY DEL POPEL ETERNO REY DEL POP Con más de 400 millones de discos vendidos, Michael Jackson no solo dominó las listas musicales, sino que cambió la forma en que el mundo entendía el arte del entretenimien- to. Desde niño mostró un talento extraordinario junto a los Jackson 5, donde ya destacaba por su voz, caris- ma y precisión rítmica. Su carrera en solitario lo llevó a un nivel sin precedentes: álbumes como Off the Wall, Thriller y Bad redefinieron el sonido del pop e introdujeron innovaciones que marcaron generaciones enteras. Thriller, en particular, se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos, acompañado de videoclips revolucionarios como Beat It, Billie Jean y Thriller, que transformaron el formato audiovisual en un espectá- culo cinematográfico. Jackson dominaba el escenario con un estilo inconfundible: movimien- tos como el moonwalk, la precisión coreográfica y su capacidad para transmitir emoción lo convirtieron en un fenómeno global. Su música mezclaba lo emocional con lo enérgico; lo íntimo con lo espectacular. Canciones como “Man in the Mirror”, “Smooth Criminal”, “Black or White” o “They Don’t Care About Us” mostraron su versatilidad y su compromiso con temas sociales. A lo largo de su vida artística, Mi- chael recibió más de 300 premios, entre ellos Grammys, American Music Awards y reconocimientos a su innovación cultural. Su influencia continúa viva en artistas de todo el mundo, en la moda, el baile, la música y la cultura pop. “BAD fue la primera vez en la que me sentí realmente libre para expresar mis emociones con toda la fuerza de mi voz, mis movimientos y mis ideas. Cada paso, cada tono y cada palabra de este álbum surgió de mi corazón.” Michael Joseph Jackson, nacido en Gary, Indiana en 1958, fue el séptimo de diez hijos. Desde niño mostró talento musical, uniéndose a The Jackson Five a los cinco años y firmando con Motown en 1968. Su carrera en solitario despegó con “Got to Be There” en 1971, y en 1982 lanzó “Thriller”, revolucionando la industria musical. Jackson fue una figura cultural clave del siglo XX, influyendo en música, baile y moda , y abordando temas de integración y justicia social en sus canciones. Se casó con Lisa Marie Presley y luego con Debbie Rowe, con quien tuvo dos hijos. Falleció en Los Ángeles en 2009 debido a una intoxicación por medicamentos. Un artista incomparable que transformó la musica y espectaculo 10 | STARWAVE 11 | STARWAVE
13 | STARWAVE12 | STARWAVE PRINCE Creatividad que rompió esquemas Prince Rogers Nelson no solo fue un músico, fue un revolucionario cultural. Con su estilo andrógino, su virtuosismo instrumental y su visión artística sin límites, transformó la industria musical desde los años 80 hasta su muerte en 2016. Mezcló funk, rock, pop, R&B y soul en una propuesta única que rompió estereotipos y marcó un antes y un después en la historia del pop contemporáneo. Desde Minneapolis para el mundo, Prince construyó una carrera caracterizada por la independencia creativa, el control total de su obra y una estética visual inconfundible donde el color púrpura se convirtió en su sello eterno. Prince dominaba múltiples instrumentos: guitarra, piano, batería y bajo. Sus conciertos eran experiencias intensas, sensuales y tecnológicamente innovadoras. Canciones como Purple Rain, Kiss, When Doves Cry y Little Red Corvette se convirtieron en himnos universales que trascendieron géneros y generaciones. Su capacidad para fusionar lo comercial con lo experimental le permitió mantenerse vigente durante más de cuatro décadas, inspirando a artistas como Beyoncé, The Weeknd, Bruno Mars y Janelle Monáe. Un sonido que no conocía fronteras Más que un artista, un movimiento Durante su carrera, Prince desafió abiertamente a las grandes discográficas, llegando incluso a cambiar su nombre por un símbolo impronunciable para reclamar la propiedad de su música. Su lucha por los derechos de los artistas lo convirtió en un referente de independencia y resistencia dentro de la industria. Prince no solo cantaba sobre amor y deseo, también exploraba temas como la espiritualidad, la identidad, la libertad Estilo visual y legado Su vestuario extravagante, sus tacones, encajes, chaquetas bordadas y su estética glam-rock redefinieron la masculinidad en el escenario. Rompió barreras de género y demostró que el arte no necesita etiquetas. Prince dejó un legado imborrable: • Más de 100 millones de discos vendidos • 7 premios Grammy • Un Óscar por Purple Rain • Introducción al Rock and Roll Hall of Fame en 2004 Su influencia sigue viva en la música, la moda y la cultura pop. Cada acorde, cada performance y cada decisión artística fueron una declaración de libertad. “La música es mi lenguaje espiritual. No sigo tendencias, las creo.” — Prince Un sonido que no conocía fronteras EL ÍCONO PÚRPURA QUE DESAFIÓ LAS REGLAS Y CONQUISTÓ GENERACIONES EL ÍCONO PÚRPURA QUE DESAFIÓ LAS REGLAS Y CONQUISTÓ GENERACIONES
15 | STARWAVE14 | STARWAVE Elegancia rebelde que marcó Madonna Louise Ciccone es mucho más que una cantante: es una fuerza creativa que transformó la música pop, la moda y la cultura visual desde los años ochenta hasta la actualidad. Su carrera no se define por una sola etapa, sino por una constante reinvención que la ha convertido en un símbolo de libertad, provocación y poder femenino. Desde sus primeros pasos en la escena musical, dejó claro que no estaba dispuesta a seguir normas establecidas, sino a crear su propio camino, fusionando música, performance y estética en una propuesta artística única. “Prefiero ser odiada por lo que soy, que amada por lo que no soy.” — Madonna A lo largo de su trayectoria, Madonna ha transitado por múltiples estilos sonoros y visuales, pasando del pop bailable que la lanzó a la fama con Like a Virgin, a propuestas más profundas y espirituales como Ray of Light, sin dejar de lado su lado controversial con proyectos como Erotica o su elegante regreso a la pista de baile con Confessions on a Dance Floor. Cada era representó una nueva narrativa, una nueva identidad y una nueva forma de entender el espectáculo, consolidando su reputación como artista camaleónica. Su influencia no se limitó a la música. Madonna redefinió el rol de la mujer en la industria del entretenimiento, promoviendo mensajes de autonomía, empoderamiento y libertad sexual en momentos donde estos temas eran considerados tabú. Su estilo visual —atrevido, simbólico y muchas veces transgresor— marcó generaciones e inspiró a incontables artistas contemporáneas, convirtiéndola en referencia obligatoria dentro de la cultura pop global. Con más de 300 millones de discos vendidos, múltiples premios y giras históricas, su legado no solo se mide en cifras, sino en el impacto cultural que dejó en la manera de concebir el arte, la feminidad y la expresión personal. Madonna no ha sido solo una intérprete, sino una narradora visual, una estratega de imagen y una creadora de tendencias que desafió las reglas del sistema para imponer su propia voz. Madonna no envejece, evoluciona. No se repite, se reinventa. Y su presencia sigue siendo sinónimo de vanguardia, audacia y transformación. MadonNa “Prefiero ser odiada por lo que soy, que amada por lo que no soy.” — Madonna
17 | STARWAVE16 | STARWAVE BOB MARLEY “No te preocupes por nada, porque todo va a estar bien.” — Bob Marley Bob Marley no fue solo un músico, fue un símbolo universal de lucha, esperanza y espiritualidad. Nacido en Jamaica, transformó el reggae en un lenguaje global capaz de denunciar la opresión, promover la unidad y transmitir un mensaje de amor profundo hacia la humanidad. Su obra trascendió lo musical para convertirse en un movimiento cultural que aún resuena en millones de personas. Con una fusión poderosa de reggae, ska y rocksteady, Marley construyó una identidad sonora auténtica, cargada de significado social y político. Su música narró las realidades de su pueblo, pero también habló al mundo sobre libertad, dignidad y resistencia frente a la injusticia. Desde Trenchtown para el planeta, Bob Marley convirtió su voz en un puente entre culturas, Un mensaje que no conocía fronteras Bob Marley utilizó la música como herramienta de transformación. Canciones como No Woman, No Cry, Redemption Song, One Love, Get Up, Stand Up y Three Little Birds se convirtieron en himnos internacionales que acompañaron movimientos sociales, luchas por los derechos humanos y mensajes de reconciliación global. Su lírica combinaba lo espiritual con lo político, lo íntimo con lo colectivo, convirtiendo cada canción en una declaración de principios y cada escenario en un espacio de conciencia. Más que un artista, un movimiento Fiel seguidor del movimiento rastafari, Bob Marley predicó una filosofía basada en la conexión espiritual, la justicia, la igualdad y el respeto por la naturaleza. Su imagen con rastas, colores africanos y estética sencilla se volvió un ícono cultural que representaba autenticidad, resistencia y orgullo por las raíces. No buscaba fama, buscaba despertar mentes. Su impacto fue tan profundo que su música se convirtió en voz de los oprimidos y símbolo de paz para generaciones enteras. Estilo, identidad y legado Bob Marley redefinió el significado de la música como protesta pacífica. Su legado permanece como un recordatorio de que el arte puede sanar, unir y despertar conciencia social. Dejó una huella imborrable: Más de 75 millones de discos vendidos Reconocimiento como embajador global del reggae Ingreso al Rock and Roll Hall of Fame en 1994 Figura clave en la difusión del mensaje de paz y unidad Bob Marley no fue solo un cantante, fue una revolución hecha canción. Su voz sigue vibrando en cada mensaje de libertad, en cada lucha por justicia y en cada nota que inspira esperanza. Porque mientras exista su música, su espíritu seguirá vivo.
EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA: Farrokh Bulsara nació el 5 de septiembre de 1946 en Zanzíbar, Tanzania. De ascendencia parsi e india, pasó gran parte de su infancia en la India, donde asistió a un internado británico, el St. Peter’s School. Fue en este colegio donde comenzó a ser llamado “Freddie” y donde también tomó sus primeras lecciones de piano a la edad de siete años, mostrando un temprano interés por la música. En 1964, debido a la Revolución de Zanzíbar, su familia se mudó a Middlesex, Inglaterra, donde Freddie continuó sus estudios, graduándose en Diseño Gráfico del Ealing College of Art, una habilidad que más tarde sería fundamental para su carrera ASCENSO MUSICAL: DE SMILE A QUEEN Durante sus primeros años en Inglaterra, Freddie se sumergió en la escena musical, participando en varios grupos. Uno de ellos fue Ibex (luego rebautizado como Wreckage) y también formó parte de Sour Milk Sea. Sin embargo, el punto de inflexión llegó en 1970 cuando se unió a los miembros restantes de la banda Smile— el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor—después de que el vocalista anterior se fuera. Fue Freddie quien sugirió el cambio de nombre a Queen y adoptó el apellido artístico “Mercury”. También diseñó el icónico de logo de la banda, conocido como el escudo de Queen. LA CONSOLIDACIÓN DE QUEEN Y SU TRAYECTORIA El lanzamiento del álbum debut de Queen, llamado Queen, en 1973 marcó el inicio oficial de la banda, que se completó con la incorporación del bajista John Deacon. A partir de ese momento, Queen comenzó a forjar una carrera meteórica. Álbumes como Sheer Heart Attack y, fundamentalmente, A Night at the Opera (1975), que incluía la épica “Bohemian Rhapsody”, los catapultaron al estrellato mundial. Freddie se consolidó como un frontman carismático y una voz inigualable, llevando a Queen a llenar estadios por todo el mundo con giras legendarias como el “Magic Tour” de 1986 CARRERA SOLISTA Y OTROS PROYECTOS Aunque su vida estuvo inextricablemente ligada a Queen, Freddie Mercury también desarrolló una carrera como solista. Su primer álbum en solitario fue Mr. Bad Guy (1985), que exploraba más los sonidos pop y disco. Un proyecto FreddieFreddie MercuryMercury diva de la ópera Montserrat Caballé, que culminó en el álbum Barcelona (1988), fusionando el rock y la ópera. La canción que da título al álbum se convirtió en un himno icónico y fue la canción oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Estos proyectos mostraban la versatilidad de Freddie como artista. UN FINAL PREMATURO Y UN LEGADO ETERNO Hacia finales de la década de 1980, la salud de Freddie comenzó a deteriorarse, lo que se hizo evidente en sus apariciones públicas. Mantuvo su enfermedad en privado hasta el Bohemian RhapsodyBohemian Rhapsody A Night at the Opera (1975) We Are the Cham-We Are the Cham- pionspions News of the World (1977) Somebody to LoveSomebody to Love A Day at the Races (1976) Killer QueenKiller Queen Sheer Heart Attack (1974) Crazy Little ThingCrazy Little Thing Called LoveCalled Love The Game (1980) Don’t Stop MeDon’t Stop Me NowNow Jazz (1978) Love of My LifeLove of My Life A Night at the Opera (1975) Seven Seas ofSeven Seas of RhyeRhye Queen II (1974) final. Murió el 24 de noviembre de 1991 en su casa de Londres a la edad de 45 años, solo un día después de haber anunciado públicamente que padecía SIDA. Su fallecimiento conmocionó al mundo, pero no hizo más que cimentar su estatus como una de las figuras más talentosas e influyentes de la historia del rock. Su legado perdura a través de su música, su Soy unaSoy una leyendaleyenda 18 | STARWAVE 19 | STARWAVE
20 | STARWAVE 23 MARZO COSTA 21 LIMA , PE 21 | STARWAVE
AA BB BB AA El ascenso de losEl ascenso de los gigantes suecosgigantes suecos El grupo se formó en Estocolmo en 1972. Su nombre es un acrónimo de los nombres de sus integrantes: Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid (Frida) Lyngstad. El salto a la fama: En 1974, ganaron el Festival de Eurovisión con “Waterloo”, lo que les abrió las puertas del mercado internacional, algo inuszual para una banda no anglosajona en esa época. Éxito y ruptura: Durante una década dominaron las listas de ventas. Sin embargo, el desgaste de la fama y los divorcios de las dos parejas que formaban el grupo (Björn/Agnetha y Benny/ Frida) llevaron a su separación definitiva en 1982. “Melancolía para bailar” A menudo se piensa en ABBA como música alegre de discoteca, pero su significado es más profundo. Los críticos lo llaman “melancolía encubierta”: Tristeza bajo el ritmo: Muchas de sus canciones más bailables tienen letras desgarradoras sobre la soledad y el fin del amor (como Knowing Me, Knowing You). Madurez emocional: A medida que sus matrimonios se desmoronaban, sus letras se volvieron más oscuras y ranking Canciones Emblemáticas ABBA 1Dancing Queen. 2Mamma Mia, Waterloo. 3Take a Chance on Me. 4Gimme! Gimme! Gimme! 5The Winner Takes It All. 6Chiquitita Fernando. 7Voulez-Vous. 8SOS 9Super Trouper. 10 Knowing Me Knowing You. 11The Visitors, 12Eagle, 13Summer Night City 14Cassandra complejas. The Winner Takes It All es considerada una de las mejores canciones de “ruptura” de la historia. La fama y el cansancio: Temas como Super Trouper hablan del agotamiento de estar bajo los focos y la necesidad de afecto Actualmente El grupo vive un renacimiento tecnológico sin precedentes gracias al espectáculo “ABBA Voyage” en Londres. Aunque los integrantes han decidido no volver a actuar físicamente juntos, han creado avatares digitales o “ABBAtars” que permiten al público revivir sus conciertos como si estuvieran en 1979. 22 | STARWAVE 23 | STARWAVE
25 | STARWAVE24 | STARWAVE
26 | STARWAVE 27 | STARWAVE26 | STARWAVE Mejores Artistas del Año El arquitecto del nuevo pop latinoBad Bunny pasó de ser una estrella global a convertirse en una fuerza cultural imposible de esquivar. Este año lo encontró expandiendo su sonido, moviéndose con soltura entre el reggaetón clásico, la electrónica y los paisajes experimentales que solo él se atreve a explorar. Mientras otros repiten fórmulas, él rehace las reglas: conciertos que parecen rituales, videoclips que levantan conversación en redes y una presencia pública que mezcla misterio, rebeldía y autenticidad. El Conejo Malo no solo lidera las listas; define hacia dónde se mueve la música latina. Mientras muchos artistas buscan asegurar hits, Benito está ocupado escribiendo la hoja de ruta de una nueva etapa del pop latino. Desde sus visuales cargados de referencias culturales hasta sus shows que parecen un híbrido entre concierto y performance escénica, Bad Bunny creó un ecosistema propio donde cada lanzamiento se convierte en un evento global. Su impacto no solo es musical: marca tendencias de moda, desafía estereotipos de género, y es capaz de mover públicicamente conversaciones sobre identidad, orgullo latino y autenticidad. En un panorama que busca originalidad, él se vuelve indispensable. Y este año, más que nunca, Bad Bunny demostró que no es simplemente el artista más escuchado: es el artista que define la década. 2025 “Mientras uno esté vivo, debe amar lo más que pueda.” ~Bad Bunny El visionario que llevó el pop nocturno a un nuevo estadoEl sonido de The Weeknd se ha convertido en un lugar reconocible dentro del pop contemporáneo: melancólico, cinematográfico, futurista y oscuro. Este año, el artista canadiense volvió a demostrar que su universo musical es uno de los más sólidos de la industria. Con una identidad visual que mezcla ciencia ficción, estética retro y un lenguaje cinematográfico propio, su propuesta va más allá de la música. Cada gira es un espectáculo conceptual, cada video una pieza que expande su narrativa, cada colaboración un experimento que lo empuja más lejos de lo convencional. The Weeknd ha sabido evolucionar desde sus inicios de R&B alternativo hasta un estilo que se siente como un género por sí mismo. Su habilidad para fusionar pop con electrónica, sintetizadores ochenteros, atmósferas oscuras y letras íntimas lo mantiene como un referente creativo. Lo más interesante es que no compite con nadie más: compite consigo mismo. Su visión artística domina cada detalle, desde la producción musical hasta el storytelling visual. Y este año, esa visión lo consolidó como uno de los mayores arquitectos del sonido pop moderno. En una industria saturada de fórmulas, The Weeknd sigue apostando por la construcción de mundos. Y ese compromiso con la estética lo convierte en un artista imprescindible del presente.the weeknd The weeknd “I’m scared that I’ll miss you, happens every time” ~De Die for you 27 | STARWAVEBAD BAD BUNNY
28 | STARWAVE 29 | STARWAVE28 | STARWAVE B illie Eilish llegó a 2025 en un punto clave de su carrera: lejos de la promesa juvenil y plenamente instalada como una artista adulta, consciente de su impacto y de su identidad creativa. Su evolución no ha sido ruidosa ni complaciente; al contrario, Billie eligió el camino más complejo: reducir el ruido para amplificar la emoción. Este año, su música se caracteriza por producciones más limpias, atmósferas íntimas y letras que exploran la ansiedad, el deseo, la identidad y la fragilidad emocional sin adornos innecesarios. Junto a su hermano Finneas, Billie sigue apostando por una estética donde el silencio pesa tanto como el sonido, rompiendo con la lógica del pop tradicional y demostrando que la introspección también puede llenar estadios. M ás allá de lo musical, Billie se consolidó como un símbolo generacional. Su relación honesta con la salud mental, su discurso corporal y su rechazo a las narrativas prefabricadas de la industria la transformaron en una figura de referencia cultural. En un año dominado por algoritmos y fórmulas virales, Billie Eilish recordó que la autenticidad sigue siendo el gesto más radical. El arquitecto del caos sonoro moderno Travis Scott atraviesa 2025 reafirmando su posición como uno de los artistas más influyentes del hip hop contemporáneo, no solo por su música, sino por la experiencia total que construye alrededor de ella. Su propuesta va más allá de canciones: es un diseño sensorial donde el sonido, la estética visual y la energía del público se fusionan en un mismo ritual. Musicalmente, Travis continúa empujando los límites del trap, incorporando capas psicodélicas, beats distorsionados y estructuras poco convencionales que transforman cada track en un paisaje sonoro. Su influencia se percibe tanto en nuevos artistas como en la manera en que el hip hop se conecta con la electrónica, el rock y la cultura rave. En 2025, Travis también muestra una faceta más reflexiva. Aunque mantiene su identidad caótica y oscura, sus letras exploran el peso de la fama. travis scott 29 | STARWAVE billie elish La voz que convirtió la vulnerabilidad en revolución Billie Eilish no grita para ser escuchada; susurra verdades que resuenan en toda una generación. Travis Scott convierte el desorden en diseño y el ruido en identidad
30 | STARWAVE